La photographie de mode ne consiste pas seulement à photographier de superbes vêtements, mais aussi à susciter l'intérêt du spectateur en racontant une histoire ou en créant une ambiance à vendre à un public.
Bien qu'il ne s'agisse pas d'un article sur l'éclairage, je pense qu'il est nécessaire qu'en tant que photographes nous comprenions ce qui fait une bonne image - parfois, nous devons nous éloigner de la partie technique et nous concentrer d'abord sur le concept.
En tant que photographes, nous sommes responsables de l'histoire que nous voulons raconter avec notre travail - avec une mélange de casting, de choix d'éclairage, de stylisme, de choix d'emplacement et de retouche. On pourrait dire que l'on raconte simplement une histoire en choisissant un thème ou une époque spécifique pour travailler - la photographie de mode nous permet de le faire avec les vêtements que nous voyons pendant les collections Resort, prinptemps/été, pré-automne et automne/hiver. Les créateurs de mode et les collections qu'ils produisent chaque année sont les épicentres où toutes les idées prennent place - et en tant que photographes, nous basons nos idées sur ce que nous trouvons ici. Il est également important que nous restions à jour avec les thèmes que nous voyons non seulement dans les vêtements, mais aussi dans les tendances en matière de coiffure et de maquillage. La principale chose à retenir lorsque l'on s'inspire de ces tendances est de ne pas photographier ce qui est évident - essayez d'interpréter à votre manière. Pourquoi ? Nos clients sortent toujours des sentiers battus. Qui veut le même style à l'emporte-pièce lorsqu'il peut attirer un nouveau public avec un matériel unique ?
Pour être intéressant et créatif, un shooting ne doit pas nécessairement comporter de grands décors, un style couture incroyable et des top models. Parfois, c'est la simplicité qui est la clé et la façon dont vous photographiez avec ce que vous avez. Parfois, c'est l'humeur et l'émotion du modèle, et parfois c'est la façon dont vous éclairez qui aide à transmettre une idée. Travaillez avec ce que vous avez. Si vous n'avez pas accès à des vêtements, photographiez des thèmes classiques et apprenez à éclairer de manière intéressante ou à transmettre un récit intéressant lors d'une séance. Ce que j'ai appris, c'est que vous ne pouvez pas raconter une histoire réussie dans la photographie de mode si vous ne tenez pas compte des 8 points suivants.
1. L'équipe créative est essentielle
Travaillez avec des personnes qui ont "ce plus" et qui sont aussi passionnées que vous par la création d'une image finale. Constituez votre équipe en fonction de ses compétences. Vos stylistes, coiffeurs et maquilleurs doivent tous vouloir contribuer à la création d'une histoire et apporter des idées.
2. Créez l'ambiance avec l'éclairage
Il existe tellement de façons d'améliorer l'ambiance d'une photo - simplement en changeant la lumière ! Le choix d'un diffuseur ou d'un accessoire, la modification de l'angle et de la distance par rapport à votre sujet auront tous deux un impact sur l'ambiance de l'image. Une lumière diffuse de type "moody" (par exemple, un octa ou une boîte à lumière) d'un côté de votre sujet créera une lumière douce et diffuse de type "peinture", et plongera l'autre côté dans l'obscurité. Si vous souhaitez créer une image puissante, pensez à placer la lumière au-dessus de votre sujet et vers le bas, de manière à créer des ombres sous le menton et sur les côtés de la mâchoire. Reliez l'éclairage à votre thème - toujours.
3. Créez des planches d'ambiance et utilisez des références
Les planches d'ambiance vous aideront à transmettre une idée à votre modèle, à votre équipe et à votre client éventuel. Il ne s'agit pas nécessairement d'un ensemble d'images que vous aimez, mais de couleurs, de lieux, de références stylistiques et aussi d'un story-board de la façon dont l'histoire se déroulera. Il en va de même pour l'imagerie visuelle. Si vous n'êtes pas sûr de la façon de raconter une histoire, utilisez l'imagerie visuelle comme un rappel. C'est également une bonne source d'inspiration pour la pose lorsque vous travaillez avec un modèle nouveau et inexpérimenté.
4. Créez un storyboard
Créez un story-board visuel pour vous aider à planifier l'histoire ou à tourner. Comme un mood-board, il vous donnera un point de départ pour travailler, mais pourra aussi vous aider à planifier quelle tenue convient à quel scénario et si un changement de coiffure ou de maquillage est nécessaire. Il est également utile pour planifier la façon dont vos images s'intégreront dans une mise en page et si vous devez varier les poses pour rendre l'histoire plus intéressante. - Choisissez judicieusement votre emplacement Un emplacement peut raconter une histoire en soi. Si vous photographiez un certain thème, vous pouvez rechercher un lieu qui correspond à l'époque - par exemple, un motel pour une histoire des années 60, une plage pour une histoire de maillot de bain, ou un jardin pour une histoire fantaisiste avec des robes.
5. Accessoires ou décor
Réfléchissez à la nécessité de construire un décor ou d'utiliser des accessoires pour renforcer l'idée lors d'un tournage. Souvent, ce n'est pas nécessaire, mais parfois, un décor dans le studio peut vraiment améliorer une histoire visuellement.
6. Réussir le casting d'un modèle - comment ce modèle s'accorde-t-il avec les vêtements, l'ambiance ? Quel est le rapport entre ce modèle et le client ou l'idée que vous essayez de vendre ?
7. Construisez un personnage - Vous n'êtes pas obligé de le faire pour chaque histoire que vous photographiez, mais parfois un projet éditorial ou commercial nécessitera davantage un rôle d'acteur ou d'actrice pour renforcer le thème. Le public s'identifiera à un personnage dans une histoire. Ne choisissez pas votre modèle uniquement en fonction de son apparence, mais aussi en fonction de sa capacité à incarner ce personnage en montrant ses émotions. Pensez à la façon dont un acteur ou une actrice serait choisi(e) pour jouer un rôle. Cela s'applique également à la façon dont vous coiffez le modèle.
8. Pose et langage corporel
Vous ne pouvez pas enseigner les bonnes et les mauvaises poses en photographie de mode - tout dépend du thème et de ce que vous essayez de transmettre. Les poses plus fortes, c'est-à-dire les mains sur les hanches et le regard vers l'appareil photo, transmettent force et puissance. Les mains de ballet et les poses élégantes évoquent la féminité. Tout dépend de ce que vous essayez d'obtenir. Encore une fois, si vous n'êtes pas sûr de vous, il vous sera utile d'avoir des références sur des moodboards et des images avec vous le jour J et de les partager avec le modèle.
Lors du shooting de cette histoire avec le modèle Avery pour Factice Magazine, le lieu était mon point de départ - tout le reste a été construit autour de cela. Les caractéristiques uniques du lieu - avec les fontaines, l'architecture ornée et les jardins - ont servi d'inspiration pour les vêtements et le choix du modèle. Nous avons tourné l'éditorial sur deux jours, chaque jour le soir, lorsque la lumière était la plus chaude. Le choix de ces deux jours a permis de conserver la cohérence de l'histoire.
Credits
Model - Avery Tharp at Photogenics LA
Styling - Marissa Adele
Hair & Makeup - Jennifer Hanching
Retouching by Ashlee Gray
